Las pel\u00edculas que integran este listado se destacan por un uso novedoso del lenguaje cinematogr\u00e1fico y una identidad propia, deconstruyendo las convenciones que Hollywood sigue explotando en t\u00e9rminos de guiones, espacios y personajes.<\/span><\/p>\n Espa\u00f1ol, portugu\u00e9s, catal\u00e1n, franc\u00e9s, italiano, sueco, mixteco e ingl\u00e9s. Pel\u00edculas plurales, obras cr\u00edticas con el capitalismo y largometrajes con historias personales donde el contexto cultural es relevante para comprender las relaciones de poder al interior de la sociedad.<\/span><\/p>\n Tanto el contenido puramente cinematogr\u00e1fico como asuntos relacionados con la industria muestran transformaciones o logros que se mantienen: las mujeres directoras tienen una mayor relevancia no solo dentro del cine independiente si no tambi\u00e9n en el cine comercial, la supremac\u00eda del hombre blanco se desdibuja con protagonistas o directores de otras etnias y el ideal rom\u00e1ntico heterosexual pierde novedad al compararse con obras donde el amor o el sexo se exploran sin temores o estereotipos.<\/span><\/p>\n La mayor virtud de esta pel\u00edcula es que tanto desde su propuesta tem\u00e1tica como est\u00e9tica logra fusionar con maestr\u00eda recursos del lenguaje cinematogr\u00e1fico y elementos de la identidad latinoamerica para construir una narraci\u00f3n fluida y expresiva.\u00a0<\/span><\/p>\n En <\/span>Cocote<\/span><\/i> se piensa la violencia y la venganza a trav\u00e9s de la religi\u00f3n, la desigualdad y la justicia utilizando referencias propias, eludiendo f\u00f3rmulas visuales extranjeras y convirtiendo personajes de una misma clase social en una amplia amalgama de posibilidades dram\u00e1ticas, en donde los principios morales de cada uno determinan diversos comportamientos individuales y grupales.<\/span><\/p>\n Nelson Carlo de los Santos, director, guionista y montajista de esta pel\u00edcula demuestra el potencial que puede alcanzar una historia o una imagen cuando se unen elementos de la ficci\u00f3n, el documental y la experimentaci\u00f3n para hablar del caribe y de lo latinoamericano.<\/span><\/p>\n <\/p>\n The Florida Project <\/span><\/i>se desarrolla en un un motel cerca de Disneyland, donde un grupo de ni\u00f1os que son hijos de adolescentes, viven por su cuenta y muestran la decadencia de la cultura estadounidense.<\/span><\/p>\n En ese particular universo, Sean Baker transita entre lo an\u00e1logo y lo digital, utilizando el look fant\u00e1stico del 35mm para resaltar a Moonee dentro de ese entorno conflictivo donde est\u00e1 creciendo. Al alejarse de su casa y entrar al <\/span>lugar m\u00e1s m\u00e1gico del mundo<\/span><\/i>, se rompe este encantamiento del grano y una c\u00e1mara digital irrumpe en la pantalla para recordarnos que la vida de estos ni\u00f1os no es una ficci\u00f3n inventada, si no una representaci\u00f3n de una sociedad que es cruel y desigual con ellos.<\/span><\/p>\n Esta pel\u00edcula es tan cr\u00edtica como estilizada y el tratamiento de los personajes por parte del director sucede desde la alteridad, desdibujando la superioridad de su rol para que las interpretaciones de los actores sean naturales y espont\u00e1neas. Como resultado, obtiene escenas que producen diferentes emociones y un <\/span>Willem Dafoe como nunca antes visto.<\/span><\/p>\n Un hombre act\u00faa como un orangut\u00e1n en una habitaci\u00f3n llena de estetas, curadores, artistas y fil\u00e1ntropos. El performance llega a ser tan agresivo y grotesco que varios hombres se abalanzan sobre \u00e9l, lo golpean y gritan \u201cm\u00e1tenlo\u201d. El artista ha logrado su cometido, ahora todos en el recinto son animales, como \u00e9l.<\/span><\/p>\n El museo es en esta pel\u00edcula la oportunidad para hablar del arte contempor\u00e1neo y su relaci\u00f3n con la sociedad. <\/span><\/p>\n La exagerada referencia a los mendigos y a la basura, as\u00ed como el nexo del protagonista con quienes acusa de robar sus pertenencias, son formas de hacer visibles las relaciones de poder que existen entre los artistas, las obras y los individuos: por un lado, s\u00f3lo una \u00e9lite privilegiada tiene los medios para crear y pertenecer a ciertos circuitos, y por otro lado, una significativa cantidad de la poblaci\u00f3n no tiene ning\u00fan inter\u00e9s en el arte porque prefiere devorar contenidos banales y vulgares que abundan en los medios impresos y digitales.<\/span><\/p>\n Todas estas reflexiones -que son m\u00e1s del director que del protagonista- se consolidan a trav\u00e9s de una estructura epis\u00f3dica conformada por obras de arte que se exponen una tras otra, bajo la supervisi\u00f3n del curador del museo. La profesi\u00f3n de este personaje le sirve a \u00d6stlund para reemplazar cuestiones relacionadas con el artista (por ejemplo su inspiraci\u00f3n o su trayectoria) por asuntos comerciales y de negocios. El arte pierde su aura rom\u00e1ntica, pero lo hace al interior de una obra cinematogr\u00e1fica que si bien no pertenece a los museos, forma parte de otra industria parad\u00f3jica que tambi\u00e9n encierra sus propias contradicciones.<\/span><\/p>\n Ninguna ima<\/span>gen es inocente y con esta premisa, Salles comienza a reflexionar sobre los acontecimientos que tuvieron lugar en 1968 en Brasil, Francia y Praga. En este ensayo f\u00edlmico, el director narra un viaje de su madre a China durante la revoluci\u00f3n cultural y la relaci\u00f3n de este suceso con otros movimientos sociales donde los estudiantes y los obreros luchaban por condiciones de vida m\u00e1s dignas.<\/span><\/p>\n Pero lo m\u00e1s interesante es que para construir su punto de vista no solamente utiliza su archivo familiar o informaci\u00f3n de car\u00e1cter period\u00edstico, sino que recupera registros realizados por estudiantes durante las protestas y algunos fragmentos de pel\u00edculas y documentales que le permiten mostrar cu\u00e1n pol\u00edtica es la ubicaci\u00f3n de una c\u00e1mara y la pertinencia del cine para comprender un fen\u00f3meno hist\u00f3rico.<\/span><\/p>\n Ser joven, participar de una transformaci\u00f3n, hacerle promesas al mundo y marchar en las calles<\/span> se convierte en una experiencia vital para toda una generaci\u00f3n. Sin embargo, Salles se encarga de demostrar que a\u00fan dentro de las revoluciones hay grupos que son excluidos y que tarde o temprano estas luchas se difuminan, se pierden y se convierten en un recuerdo lejano e idealizado.<\/span><\/p>\n Despu\u00e9s de la decepcionante <\/span>\u00a1Salve, C\u00e9sar!<\/span><\/i> (2016)<\/span>, los Coen se reivindican en un encuentro afortunado entre el cine y la literatura dando como resultado una obra que renueva el discurso can\u00f3nico del western, por momentos gastado y repetitivo.<\/span><\/p>\n Seis relatos rinden homenaje al cine de este g\u00e9nero pero transformando sus convenciones: desenlaces inesperados, vaqueros que salen volando y personajes tan ingeniosos como violentos act\u00faan al ritmo de una balada que tiene una imaginer\u00eda propia, inteligente y entretenida. Cada historia es aut\u00f3noma y presenta situaciones y conflictos con una <\/span>moraleja <\/span><\/i>ambigua o menos importante que las acciones o los di\u00e1logos que suceden antes del desenlace.<\/span><\/p>\n Son muchas las formas que tienen los Coen para interpretar la realidad. Esta vez, los personajes tienen una estrecha relaci\u00f3n con los lugares y paisajes que frecuentan o ambicionan porque en cada uno luchan por sus propios intereses sin que sea f\u00e1cil predecir cu\u00e1les van a ser las consecuencias.<\/span><\/p>\n En el pueblo de Inviolata, un grupo de personas vive aislado del mundo mientras son explotados laboralmente. All\u00ed, L\u00e1zaro vive con su abuela en una casa llena de gente.<\/span><\/p>\n La exagerada bondad e ingenuidad del protagonista crean una relaci\u00f3n conflictiva con los individuos y las condiciones econ\u00f3micas a su alrededor, lo que le otorga a esta pel\u00edcula licencias creativas para viajar en el tiempo sin necesidad de efectos visuales o explicaciones por parte de los personajes.<\/span><\/p>\n L\u00e1zaro va del campo a la ciudad y del pasado al presente. Su rol en la \u00e9poca actual es <\/span>exponer por medio del contraste, la miseria y desverg\u00fcenza con la que viven sus seres queridos quienes fueron enga\u00f1ados por una familia adinerada y posteriormente abandonados por el estado. Herido repetidamente, L\u00e1zaro cae dos veces y en su vulnerabilidad, Alice Rohrwacher utiliza la met\u00e1fora del lobo para hacernos preguntas sobre lo salvaje y lo civilizado, lo urbano y lo rural, la maldad y la bondad.<\/span><\/p>\n El realismo cotidiano que se ha consolidado en la cinematograf\u00eda latinoamericana reciente consigue un importante hito con <\/span>ROMA<\/span><\/i>, por su elevado presupuesto y por el lugar que ha ocupado en la industria en diferentes circuitos.<\/span><\/p>\n Pareciera que la historia de Cleo es simple, pero en realidad es una representaci\u00f3n de muchas mujeres latinoamericanas. Su embarazo solitario no tiene nada que ver con la \u00e9poca, aunque en esta pel\u00edcula los hombres adultos (sin importar su clase social) no se hacen cargo de sus hijos, y los ni\u00f1os son criados por mujeres solas, que se ven afectadas emocional y econ\u00f3micamente por el abandono o el maltrato de sus parejas. Este \u00e9nfasis en mostrar una maternidad forzada por las circunstancias es donde <\/span>Roma<\/span><\/i> se distingue de otras pel\u00edculas y logra producir sentimientos de angustia y de empat\u00eda. <\/span><\/p>\n Cuar\u00f3n brinda informaci\u00f3n m\u00e1s amplia del contexto de la protagonista en un ejercicio por recordar su propia infancia donde las luchas sociales y estudiantiles suced\u00edan en las calles y en las universidades. La profesi\u00f3n y la etnia de Cleo est\u00e1n estrechamente relacionadas con estas cuestiones y sus vivencias al interior del hogar permiten comprender la situaci\u00f3n de la mujer ind\u00edgena, que se enfrenta a la desigualdad social de su pa\u00eds hablando en otro idioma y lejos de su tierra.<\/span><\/p>\n Este documental reconstruye una pel\u00edcula que estuvo perdida durante 20 a\u00f1os y que cambi\u00f3 la vida de la directora, Sandi Tan, quien no solo perdi\u00f3 parte de su energ\u00eda creativa si no tambi\u00e9n la posibilidad de emerger como actriz y guionista en una \u00e9poca donde el cine de Singapur no ten\u00eda ninguna obra como la que ella y sus amigas filmaron en 1992. La an\u00e9cdota personal de Tan se convierte en una oportunidad para mostrar c\u00f3mo se ha transformado la relaci\u00f3n de las mujeres con el cine y el momento espec\u00edfico que tienen algunas obras para destacarse dentro de su contexto social y cultural.<\/span><\/p>\n El tiempo ha marcado una distancia entre ella y la pel\u00edcula que protagoniz\u00f3, pero Sandi Tan logra narrar con sinceridad los sentimientos que le producen las im\u00e1genes encontradas, as\u00ed como las evidencias filmadas de sus propios defectos, no como profesional sino como persona. <\/span><\/p>\n Este esp\u00edritu cr\u00edtico y abierto que hay en todo el documental mantiene el inter\u00e9s a lo largo de la obra, que sin propon\u00e9rselo contiene muchas caracter\u00edsticas del cine cl\u00e1sico de ficci\u00f3n: la motivaci\u00f3n de un personaje, el villano que tiene una motivaci\u00f3n opuesta, puntos de giro que transforman a la protagonista…un esquema convencional pero narrado a trav\u00e9s de im\u00e1genes que se arriesgan: jump cuts, planos en reversa y fotos que se mueven. \u00a0La voz de la directora se funde con ellas inventando el sonido de su pel\u00edcula, pues la m\u00fasica original tambi\u00e9n le fue arrebatada en su juventud, as\u00ed como los audios que se grabaron durante el rodaje. Su pel\u00edcula de ficci\u00f3n, fotog\u00e9nica pero muda, se transforma con los a\u00f1os en un documental potente y singular. <\/span><\/p>\n Es dif\u00edcil que una pel\u00edcula sea sensual sin ser banal y uno de los m\u00e9ritos de esta obra es que en el despertar sexual de Elio hay erotismo no necesariamente por la tensi\u00f3n que tiene con Oliver, si no porque con l\u00e1grimas y fantas\u00edas va labrando su propia noci\u00f3n de masculinidad rodeado de una atm\u00f3sfera intelectual fascinante, en medio de un paisaje caluroso que invita a desnudar la mente y el cuerpo.<\/span><\/p>\n El autodescubrimiento y la soledad son tratadas por el director con sensibilidad, pero lo mejor de sus personajes emerge cuando estos dialogan y se miran: padre e hijo hablan con franqueza y en general los hombres no tienen miedo de expresar c\u00f3mo se sienten o qu\u00e9 es lo que desean.<\/span><\/p>\n Es cierto que son muchas las historias que han utilizado el dolor de perder al primer amor para conmover y emocionar, y es que hay algo universal en esa tristeza, tan concreta y duradera…En <\/span>Call me by your name<\/span><\/i> nos sumergimos en la mente de Elio, lo que ve, lo que escucha, lo que toca y lo que saborea. Esta decisi\u00f3n nos entrega todo lo que el protagonista est\u00e1 sintiendo, sea esto placentero o frustrante. Lo m\u00e1s \u00edntimo de su juventud queda expuesto permiti\u00e9ndonos descubrir en \u00e9l una criatura fr\u00e1gil pero vital.<\/span><\/p>\n La historia personal de la directora novel Carla Sim\u00f3n nos traslada a un lugar donde la relaci\u00f3n con la naturaleza es m\u00e1s poderosa que la tecnolog\u00eda. Es verano y Frida deber\u00e1 comenzar a aprender a vivir sin su madre, que falleci\u00f3 de una enfermedad respiratoria.<\/span><\/p>\n Esta experiencia de la muerte en la infancia hace que la ni\u00f1a act\u00fae con incertidumbre y tristeza, a pesar de que puede jugar, levantarse tarde y descansar durante las vacaciones.<\/span><\/p>\n El dolor que llega sin explicaci\u00f3n y los cambios repentinos en la vida de Frida tejen la narraci\u00f3n y producen empat\u00eda en los espectadores. Las actuaciones se destacan as\u00ed como el vestuario y la escenograf\u00eda, que sirven para ubicar la \u00e9poca de la historia.<\/span><\/p>\n En <\/span>Verano 1993<\/span><\/i> la sensaci\u00f3n de sufrimiento aumenta por la edad de la protagonista y se mantiene al terminar la pel\u00edcula porque demuestra que su proceso de duelo no est\u00e1 resuelto dentro de la obra cinematogr\u00e1fica si no que sigue, m\u00e1s all\u00e1 de la pantalla y por el resto de su vida.<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Las pel\u00edculas que integran este listado se destacan por un uso novedoso del lenguaje cinematogr\u00e1fico y una identidad propia, deconstruyendo las convenciones que Hollywood sigue explotando en t\u00e9rminos de guiones, espacios y personajes. Espa\u00f1ol, portugu\u00e9s, catal\u00e1n, franc\u00e9s, italiano, sueco, mixteco e ingl\u00e9s. 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COCOTE. Director: Nelson Carlo de los Santos<\/h4>\n
![\"1.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/1.-COCOTE.jpg\")
Noticieros que hacen reportajes de hechos absurdos, travellings en blanco y negro, largos planos fijos y extensas escenas de rezos presentan el mundo de Alberto, un jardinero evang\u00e9lico nacido en Rep\u00fablica Dominicana.<\/span><\/p>\n2. THE FLORIDA PROJECT. Director: Sean Baker<\/b><\/h4>\n
![\"2.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/2.-FLORIDA.jpg\")
<\/b><\/h4>\n3. THE SQUARE. Director: Ruben \u00d6stlund<\/h4>\n
![\"3.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/3.-THE-SQUARE.jpg\")
<\/p>\n4. EL INTENSO AHORA. Director: Jo\u00e3o Moreira Salles<\/h4>\n
![\"4.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/4.-INTENSO-AHORA-.jpg\")
<\/p>\n5. LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS. Directores: Hermanos Coen<\/h4>\n
![\"5.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/5.-BALADA.jpg\")
<\/p>\n6. L\u00c1ZARO FELIZ. DIRECTORA: Alice Rohrwacher<\/h4>\n
![\"6.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/6.-LA\u0301ZARO.jpg\")
<\/p>\n7. ROMA. DIRECTOR: Alfonso Cuar\u00f3n<\/h4>\n
![\"7.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/7.-ROMA.jpg\")
<\/p>\n8. SHIRKERS. Directora: Sandi Tan<\/h4>\n
![\"8.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/8.-Shirkers.jpg\")
<\/p>\n9. CALL ME BY YOUR NAME. Director: Luca Guadagnino<\/h4>\n
![\"9.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/9.-Call-me-by-your-name-.jpg\")
<\/p>\n10. VERANO 1993. Directora: Carla Sim\u00f3n<\/h4>\n
![\"10.](\"http:\/\/www.elcinesana.com\/sitio\/wp-content\/uploads\/2018\/12\/10.-VERANO1993.png\")
<\/p>\n